長く働き、長く育てる──一人ひとりに応じて組み替える文化
インタビュイー：Lucy Bennett (Co-Artistic Director), Cherie Brennan (Community Engagement Artist)
実施日：2026年3月2日
Stopgap で見えてきたのは、インクルーシブダンスを、雇用、稽古、創作、育成が長い時間の中で結びついたカンパニー文化として成立させていることだった。
ダンサーを長期的に雇用し、継続的なカンパニークラスと長い創作期間を持つことで、異なる身体のあいだで動きを翻訳し合う振付語彙が育てられている。さらに近年は、アクセスを作品の外側に付け足すのではなく、作品内部の構造を変える創作原理として扱い、若者の次の役割を支える独自シラバス IRIS も整えている。
Stopgap では、インクルーシブであることが理念やプログラム名にとどまらず、働き方、稽古の続け方、作品のつくり方、次世代への受け渡し方にまで現れている。
長く働くことが、実践を育てる
Lucy がまず強調していたのは、Stopgap が英国でも数少ない、ダンサーを長期的に雇用しているカンパニーであることだった。ここでの雇用は、単なる組織の安定ではない。実践を保ち、少しずつ変化させていくための土台になっている。
「私たちは、英国でも数少ない、ダンサーをフルタイムで、しかも長い期間雇っているカンパニーだと思います。
Christian は10年、私は23年、Chris Pavia は27年在籍しています。
週に一回集まるだけでは、実践は保てません。週に何度かのカンパニークラスがあり、6週間、12週間という長い創作期間があって、そこで少しずつ実践を進化させていくのです。」
ここで語られている継続性は、活動を長く続けているという意味にとどまらない。日々のクラスや創作期間を重ねるなかで、身体の使い方、関係の持ち方、判断のしかたが蓄積され、受け渡されていく。Lucy はそれを、日本の職人が同じ作業を繰り返しながら技を継承していくあり方にもたとえていた。
Stopgap にとってカンパニーであることは、単にダンサーを雇用することではなく、芸術的な質を長い時間の中で育てていく仕組みでもある。
「同じにする」のではなく、必要に応じて組み替える
Stopgap が自分たちの文化を語るときに使っていたのが、「一人ひとりに応じて組み替える文化（equitable culture）」という考え方だった。誰でも同じように参加できるようにするのではなく、その人に必要な条件で働けるように、場や役割を組み替えていく。
「私たちはそれを、一人ひとりに応じて組み替える文化と呼んでいます。
インクルーシブというより、その人に必要な条件に合わせて働けるようにすることです。
Chris にはアクセスワーカーが必要で、Hannah はツアーの時だけ必要かもしれない。Nadenh は振付家になりたい。そういうふうに、一人ひとりに合わせて考えています。」
この考え方は、サポート体制だけでなく、振付の美学にも現れている。Stopgap では、振付家の動きを全員が同じ形でコピーするのではなく、あるダンサーの動きや素材を、別のダンサーが自分の身体で翻訳していく。
「私たちは、再発明のようなことをたくさんします。
たとえば Nadenh の動きをもとにフレーズをつくり、それを立って踊るダンサーたちが自分の身体で翻訳していく。
そうすることで、Stopgap らしいスタイルが生まれるのです。」
クラスで使う言葉にも、その姿勢は表れている。たとえば「床に触って」と同じ到達点を求めるのではなく、「今日は、自分が届くところまで下へ伸びてみて」と声をかける。身体によって届く場所や動き方が違うことを、最初から前提にしているのだ。
大切なのは、全員が同じ形になることではない。高さや方向、動きの質感、呼吸、互いとの関係を手がかりにしながら、それぞれの身体で一緒に踊る。その違いこそが、Stopgap の動きの語彙を生み出している。
アクセスを、作品の内部に編み込む
Stopgap の近年の大きな変化として語られていたのが、アクセシビリティを作品完成後に付け足すものとしてではなく、創作の内部に組み込むようになったことだった。以前は、作品をつくったあとに音声ガイドや字幕を付けることが多かったという。しかし、パンデミック期にオンラインで新しい障がい当事者の観客と出会い、具体的な要望を受け取る中で、考え方が変わっていった。
「この5年ほどで、考え方が大きく変わりました。
以前は作品をつくってから音声ガイドや字幕をつけることが多かった。
今はアクセス・アーティストという役割を置き、アクセスの確保を私たち自身が責任を持つ領域にしています。
そして、それは実践を革新するものでもあります。」
アクセス・アーティストは、外から助言するだけの存在ではない。創作期間中から稽古場に入り、振付家やダンサーとともに作品を考える。たとえば、暗転を使いたいというアイデアに対して、それが神経多様性を持つ観客にとってどう作用するのかを問い返す。言葉を入れるなら、その時間は作品の中にあるのか。観客が近くで身体を感じられるようにするべきか。そうした問いが、作品の構造そのものを変えていく。
アクセシビリティは、観客サービスではなく、作品を別の形へ押し広げる創作上の力でもあるのだ。
参加の先に、次の役割をつくる
Cherie の話から見えてきたのは、この文化が若者育成のレベルにも具体的に落とし込まれていることだった。彼女の仕事の中心には、毎週のユースカンパニーがあり、若者と家族との長い関係がある。
「私の仕事の中心にあるのは、若者たちと、その家族です。
大学の実習生として関わり始めた頃に11歳だった子たちが、今では25歳、26歳になっています。
何を望んでいるのか、何が必要なのかを聞きながら、機会を見つけていく。その関係が、すべての土台になっています。」
Stopgap にとって育成とは、一定期間の教育プログラムではなく、若者がどのような役割へ進みたいのかを、家族や支援ネットワークも含めて長く伴走しながら考えることに近い。その文脈で重要なのが、独自のインクルーシブ・ダンス・シラバスである IRIS だ。
IRIS は、Include、Respond、Integrate、Specialise という段階で構成されている。最初の入口としての基礎的な実践から、より個別化された技術育成、Stopgap の外のクラスへ出ていく段階、そしてアーティスト、教師、振付家といった専門的な道へ進む段階までが考えられている。
「IRIS には決まった時間軸はありません。
必要なだけ時間をかけます。
大事なのは、若者たちが一緒に踊る方法を理解し、動きの流れを育てていくことです。」
さらに印象的だったのは、一般的な「試験」ではなく、「達成を祝う日」という言葉を使っていることだった。評価や試験という言葉が不安や恐怖を生みやすいなら、その言葉を変える。ただし、基準を曖昧にするわけではない。障がいのない若者が試験や資格を通して次の段階へ進むように、障がいのある若者にも、積み重ねた経験を認証し、次へ持っていける仕組みが必要だという考えがある。
ここでも Stopgap は、「参加できること」で止まらない。参加の先に、役割、技術、進路、働き方をどうつくるのかまでを見ている。
■ リサーチメモ
Stopgap の実践が示していたのは、インクルーシブであることを、一つの場づくりやプログラムにとどめず、雇用、稽古、創作、育成をつなぐカンパニー文化として維持することだった。
誰が働き続けられるのか。誰が実践を受け継ぐのか。若者はどこへ進めるのか。Stopgap では、そうした問いが、日々の働き方や稽古の続け方、作品づくりの中に息づいている。
アクセシビリティについても同様に、作品ができあがった後に音声ガイドや字幕を付け足すだけではなく、創作の初期段階から、どんな観客がどのように作品を受け取れるのかを考える。その問いが入ることで、言葉の使い方、観客との距離、場面のつくり方、作品の構造そのものが変わっていく。
一人ひとりに応じて場や役割を組み替えることは、配慮の話にとどまらない。それは、芸術の質と、そこで働き続けるための条件を同時に問い直す実践なのである。